En casi todos los festivales de cine se otorga un premio al mejor guion, pero los espectadores poco podemos decir de estos premios. ¿Cómo podría un espectador no especializado valorar el guion de una película sin haberlo leído? Mi propuesta es que para valorar el guion de una película hay que tener en cuenta los tres primeros elementos o claves que solemos comentar al acabar de verla. Imaginemos que hemos visto una película sobre la justicia americana; podríamos decir de ella, por ejemplo: le ha dado un repaso al sistema judicial (estamos hablando de la premisa), la historia es muy efectista y le falta información (estamos hablando del argumento), y me la he creído porque me metí en la piel del/la protagonista (hablamos de la unidad). La premisa, el argumento y la unidad son las tres claves que solemos expresar espontáneamente cuando analizamos una película sin ser críticos de cine. Pues estas tres claves están en el origen del guion. Las claves para valorar el guion las podríamos enumerar en cualquier otro orden, y también podríamos añadir otras claves que pueden ayudar a mejorar la valoración, pero cuantas más claves utilicemos más necesaria sería la preparación técnica.

Voy a valorar, como si fuera un profano en materia de guion, tres guiones de tres películas y también voy a valorar las tres películas. Dos son españolas recientes, como Truman(2015), de Cesc Gay, guion de Tomás Agaray y Cesc Gay y Regresión(2015), de Alejandro Amenábar y guion de Alejandro Amenabar y la otra película es francesa, más antigua, como Los juncos salvajes(1994), de André Techiné y guion de André Techiné, Gilles Taurand y Olivier Massart.

La valoración del guion puede ser más alta o más baja que la valoración de la película. Una buena dirección puede hacer que un mal guion se convierta en una gran película y al contrario. Voy a intentar separar lo que pudo estar escrito (el guion) de lo que es propio de la dirección (la película). Si estamos viendo un actor/actriz que mira al infinito y transmite un dolor que te pega a la butaca, ¿cómo estaba escrito ese momento en un guion? Imposible que en el guión se haya escrito algo más allá de: “El/la protagonista mira al infinito después de recibir la mala noticia”. Lo que salga de ahí es imprevisible, pertenece al rodaje y está en manos del director y del actor. Para valorar un guion no narramos lo que estamos viendo, que sería la descripción de unas imágenes, sino que intentamos imaginarnos qué se pudo escribir de lo que vemos.

La valoración de los tres guiones y de las tres películas las voy a puntuar del 0 al 10.

De cada valoración tendré en cuenta la premisa, el argumento y la unidad y después explicaré los porqués de las puntuaciones.

 

Truman

El guion, de Cesc Gay y Tomás Agaray, lo valoro en un 4.

La película, dirigida por Cesc Gay, la valoro en un 7.

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Para valorar un guion hay que deconstruir lo que estamos viendo hasta convertirlo en escritura guionizada: acciones, diálogos, algún gesto y poco más.

-La premisa de Truman

Toda película trata muchos temas para que parezca la vida misma, pero hay un tema dominante que es la premisa o el pensamiento o la tesis que el autor quiere mostrarnos. Truman trata sobre la amistad, la soledad, la generosidad, la muerte, la eutanasia, el mercantilismo del arte, la represión de los sentimientos y más, pero el tema dominante es proponernos que la muerte, cuando la puedes decidir, es un simple viaje y no hay que dramatizarla y ni afectar a las personas que te rodean. Te despides de la vida como te despides de un amigo o un familiar en un aeropuerto.

-El argumento

Javier Cámara viene desde Canadá para despedirse de su amigo Ricardo Darín que se niega a tratarse el cáncer que padece. Darín tiene un perro, Truman, y busca una buena persona que lo adopte para morir en paz. El argumento es simple, amable y lineal. Aquí el guion es impecable para mí.

-La unidad

La unidad son los elementos que indirectamente refuerzan la premisa, si la premisa habla de viaje, de tránsito, de muerte, visualmente también vemos viajes, tránsitos, etc. Es una historia de constante movimiento, viajes, fiestas, paseos, encuentros, etc. Cada escena tiene un tempo lento, pero son tantas que el ritmo de la historia es trepidante (el ritmo lo marca las acciones).

¿Por qué un 4 al guion?

Si me imagino el guion escrito y leo constantemente cómo Darín se empeña en que nadie hable de su decisión de quitarse la vida, cómo manda a callar a todo el que hable del tema y cómo todo ello hace que no haya un solo diálogo interesante que pueda recordar; yo creo que todos los diálogos interesantes juntos no suman una página, pues ahí está la razón de mi 4 a la valoración del guion. Nadie reflexiona, ni expresa sus sentimientos, todos es críptico, lleno de gestos sutiles… Leer este guion tiene que ser un suplicio. Yo diría mientras lo estoy leyendo, hablen de algo, por favor, que la premisa es interesante.

¿Por qué un 7 a la película?

Si la película, que es realmente la obra acabada, la interpretan dos actores de la categoría de Darín y Cámara; que pueden hacer creíble el cuento de Caperucita, más la música y los trucos emocionales fáciles con el perro y la familia querida y el amigo del alma, y todo el mundo es bueno es que si no lloras el cine no es mágico. Para mí, es una película tramposa, pero bonita. A las personas sensibles como Cesc Gay se les perdona todo.

 

Regresión

El guion , de Amenábar, lo valoro con un 3.

La película, dirigida por Amenábar, la valoro con un 2.

Para valorar un guion hay que tener en cuenta que las instrucciones del director al equipo técnico y a los actores no están escritas. Del mítico fotograma de Diane Keaton y Woody Allen sentados en un banco contemplando la noche de N. York, de la película Manhatan(1979), de Woody Allen, posiblemente estaría escrito en el guion, “Se sentaron a contemplar la ciudad”, el resto es puro arte, el arte del director.

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-La premisa de Regresión

Nos habla cómo la manipulación y la autosugestión pueden llevar a una persona a vivir una vida paralela en su mente, y creerse culpable de algo que no ha hecho. En esta premisa entran todas las historias de sectas, de histeria colectiva, de manipuladores, etc. Aunque sea tópico y recurrente, el tema podría funcionar. Pero veamos el argumento.

– El argumento

Un padre es acusado por su propia hija, Emma Watson, de abusar de ella. Un policía muy, muy sensible, Ethan Hawke, intenta aclarar el caso, trhiller basado en hechos reales. Yo creo que cuando se utilizan estos materiales hay que ser grande para no abusar de la música, de las imágenes impactantes inesperadas, de sustos gratuitos, del poli incomprendido, etc. Pues poco a poco la película se va quedando en esto, tópicos y más tópicos del género. La puesta en escena, la producción y la fotografía son impecables porque en América se invierte en nuevos talentos para mejorar su industria. Pero lo peor no es que el guion esté lleno de tópicos del género, sino que buscaba un final sorpresa y acabó en un final sorprendente. El final sorpresa sólo lo manejan los maestros como Hitchcock o Scorsese. El final sorpresa se da cuando la historia va dejando caer pistas falsas y verdaderas y entre las hipótesis del espectador sobre el posible final de la película está el auténtico final, pero lo descarta gracias a la habilidad del narrador que desvía su atención. Si el narrador es poco hábil, puede ocurrir que el espectador lo descubra desde el principio o que la historia no dé una sola pista sobre el auténtico final y entonces tenemos el final sorprendente o, coloquialmente, final sacado de la manga. Este es el caso de Regresión. Todo es misterio, secretismo, intrigas infantiles y creo que todos le estamos viendo el final. En Shutter Island(2010), de Martin Scorsese, guion de Laeka Kalogridis sobre la novela de Dennis Lehane, Leonardo DiCaprio se mueve en un decorado en el que se hace una puesta en escena para hacerle una terapia. Todo es tan creíble, que la realidad impostada en la que vive DiCaprio es una realidad fuera de control y te despista del final. Hay muchas pistas para saber que es una puesta en escena, y que DiCaprio está sometido a una terapia, pero las olvidas porque es tan poderosa la fuerza que adquiere el descontrol de los hechos, que cuando descubres el final sólo te queda decir, lo sabía, con la cara pasmada.

-La unidad

Si se habla de manipulación y de autosugestión por qué no reforzar el tema con historias paralelas, noticias, etc., los recursos de unidad tienen que ser muy indirectos. Si la historia va de descubrir la verdad en el relato del padre de Emma Watson, por qué tanto psicólogo y tanto diapasón para hipnotizarlo. Aburre.

¿Por qué un 3 al guion?

Este guion bien reescrito, sin buscar el espectáculo, más naturalista, alejándose del trhiller y el terror, y los personajes mejor elaborados, más complejos, podría dar de sí. Por eso el 3 es por estropear la historia. Ha podido más las presiones de la industria que el talento de Amenábar.

¿Por qué un 2 a la película?

Y el porqué del 2 a la película lo comparto con el crítico Luis Martínez: “La menos inspirada y más artificial de las películas de Amenábar (…) un error casi completo (…) una película sencillamente inxeplicable.””

 

Los juncos salvajes

El guion, de André Techiné, Gilles Taurand y Olivier Massart, lo valoro en un 9.

La película, dirigida por Techiné, la valoro en un 7

Para valorar un guion no podemos tener en cuenta las interpretaciones magistrales o pésimas de los actores.

-La premisa de Los juncos salvajes

La historia trata muchos temas de fondo, el despertar de la primavera de cuatro jóvenes, la identidad sexual de uno de ellos, la guerra de Argelia, la grandeza de Francia, y la premisa, que queda expresada en el título de la película, se basa en la fábula de La Fontaine del mismo título: el roble le dice al junco, cuando sopla el viento yo me quedo recio y firme y tú te doblas como una esquina, y el junco le responde, cuando llegue la tempestad a ti te va a arrancar de raíz y a mí me doblará, pero volveré a mi posición. La premisa contrapone el dogmatismo y la intransigencia de unos personajes (robles) a la tolerancia y el respeto de otros (juncos).

junco-salvaje

-El argumento

La historia está ambientada el la Francia de 1962, durante la guerra de Argelia. Maité es hija de la presidenta del partido comunista de la zona y está a favor de la descolonización, la madre de Maité también es profesora, Mariní es francés argelino y no quiere la descolonización, Bartoló pierde a un hermano en la guerra y odia la grandeza de Francia, Forestier es el joven que no tiene clara su identidad sexual. Los cuatro acaban el bachillerato ese año. Morelli es un profesor argelino francés e intenta ayudar a Mariní a librarse del odio que lleva dentro. Maité es el catalizador de todas las historias, Forestier le cuenta sus dudas sobre su sexualidad, Forestier tuvo un experiencia sexual con Bartoló y éste quiere tener una relación con ella, pero ella lo rechaza. Al final, Maité se enamora del joven que más odia, y que más la odia, Mariní, y será con el que haga el amor por primera vez. La madre de Maité se siente culpable de la muerte del hermano de Bartoló por no ayudarle a desertar cuando lo llamaron a filas. La madre de Maite descubre que el profesor Morelli está casado con una argelina.

-La unidad

Vistos los conflictos planteados, ante la tormenta del rito iniciático de los cuatro jóvenes y la tempestad de la guerra de Argelia, cada uno de los personajes los afronta como un roble o como un junco.. Los recursos visuales referidos a la premisa ayudan a asimilar la historia. Mariní, “el roble”, acaba horizontal en el pretil de un puente viendo pasar unas barcas de remo río arriba. La madre de Maité, “el roble”, la vemos postrada en el psiquiátrico deprimida por su intrasigencia. Bartoló, “el junco”, continuó la vida de su hermano aceptando su destino. Forestier, “el junco” acepta su sexualidad sin complejos. Morelli, “el junco”, se casa con una argelina. Y Maité, que estaba condenada a ser un roble, siguiendo los principios de su madre, cambió su actitud y pasó a ser un junco. Lo vemos en una escena preciosa de Maité en bañador metida en el río hasta las rodillas y Mariní vestido con traje en la orilla cómo se insinúan y acaban haciendo el amor. Una escena hermosa. La metáfora de Maité metida en el río es realmente hermosa. En el mundo del cine se llama evidencia cuando explicas lo que estamos viendo. Cuando descubrimos un mensaje en lo que estamos viendo se llama metáfora visual. El único personaje que evoluciona en la historia es Maité.

La valoración de una obra de arte siempre será subjetiva, pero cuando valoramos la técnica que hay detrás de una obra nos podemos acercar a la objetividad.

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